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![]() [green home]review....Art in Culture 2007. 9 |
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위 , 162x260.6cm, Acrylic on canvas, 2007
아래 , 60.6x72.7cm, Acrylic on canvas, 2007
송명진展.......7.4-14 노화랑
지금껏 보여준 송명진의 녹색 그림들은 색채, 형태, 기법 모두 극도로 절제된 태도로 일관하기에 일견 편안하고, 심지어 단순해 보이기까지 한다. 그러나 그 녹색 장막을 한 켜만 들추면 그 뒤에 빈틈없이 빼곡히 채워져 있는 파라독스들로 숨이 막힐 지경이다. 그의 그림 앞에서 느끼게 되는 미묘한 불편함은 심플한 외양과 복잡한 내용, 그 역설적 충돌을 알게 모르게 감지하면서 비로소 시작된다.
주조색으로 사용되는 녹색은 풍경 모티브들과 함께 분명히 자연을 직접 지시하고 있다. 이런 연상은 손쉽게 그 그림들에 편안하고 흐뭇한 첫인상을 부여한다. 자연만큼 우리를 품고 위로해 주는 것이 또 어디 있으랴. 모성에 대한 달콤한 기대를 품은 관객은 자연의 일루전 속으로 기꺼이 건너가고자 한다. 그러나 이 녹색은 왠지 석연치가 않다. 그래. 이것은 풀도 나무도 아닌 그저 물감덩어리일 뿐이다. 물론이다. 그러나 이것은 이 세상 어떤 풍경화도 공공연히 숨기고 있는 트릭이다. 그런데 왜 유독 송명진의 녹색은 불편한 것일까?
사실 그가 그리는 것은 자연물이 아니라 벌써 녹색 페인트를 흠뻑 덮어쓴 풀 모양의 어떤 물체이기 때문이다. 그 녹색은 생명의 원천인 엽록소가 아니라 생명을 가장하고 있는 죽은 물질이다. 마치 녹지 사이사이에 서 있는 금속 울타리에 칠해진 녹색 페인트처럼, 이 색은 죽음을 가리고 있는 도구일 뿐이다. 그 사실을 공공연히 드러냄으로써 송명진의 자연은 우리를 불편하게 한다. 이 그림을 통해 자연으로 들어가자면 녹색 페인트를 흠뻑 덮어쓸 각오를 해야 할 것이다.
이번 개인전에서 선보인 송명진의 신작들은 예전에 비해 내러티브적인 요소가 상당히 강화되어 있다. 지난 2005년 금호미술관 전시에서 보다 단순한 형식을 통한 우회적인 접근을 시도했던 것에 비해 주목할 만한 변화라고 본다. 결과적으로 화면은 많이 복잡해졌다. 무엇보다 ‘손가락 인간’이라고 부르는 상징적인 캐릭터들을 등장시킴으로써, 예전에는 흔적으로만 암시하던 인간의 손길을 구체적으로 형상화하고 있다. 이 생명체는 창조주의 손길을 어설프게 흉내 내고 있는 ‘짝퉁’이자 자만에 빠진 가련한 존재-현대인들의 상징이다. 이들은 자신들이 얼기설기 조악하게 창조한 유사-자연 속에서 창조주의 역할을 자임한다.
는 이번 시리즈의 출발점이라 할 수 있는 작업으로, 사각형으로 적당히 자른 녹색 카펫들을 엉성하게 기워서 쌓아올린 인공산과 방공호 앞에 군림하는 암수 한 쌍을 보여준다. 바야흐로 자신들만의 조그마한 세계를 창조하고자 새벽을 맞이하는 장면처럼 보이기도 한다. 이어지는 , 에서는, 말라버린 풀밭에 생명을 부여할 수는 없지만 자신의 힘이 미치는 조그마한 공간이나마 초록색 실로 엮어놓는 것으로 신과 타협하는 이 생명체의 가소로움이 우리들 자신의 자화상인 양 초라하다.
이번 전시에는 이례적으로 복잡한 구성과 이야기를 가진 작품들이 또한 몇 점 소개되고 있다. 는 벌써 많은 수로 번식한 손가락 인간들이 다시금 문명세계를 모방하고 있는 풍경을 보여준다. 그러나 이 시도 역시 어설픈 것으로, 건물은 정면의 파사드만 간신히 세워져서 역시 엉성하게 조성된 뒷산을 막아서고 있으며, 녹지 부분은 벽돌처럼 찍어내어져 불안한 형태로 ‘보급’되고 있다. 이밖에도 푸코의 패놉티콘(Penopticon)에 착안한 감옥 같은 구조물, 종이로 접은 듯한 계단과 그 밑을 지나가려는 돗단배, 나무기둥 등... 화면은 예전과는 비교할 수 없을 정도로 다양한 상징적인 도상들로 가득 채워져 있다. 역시 조악하게 흉내낸 문명의 성채를 재현하고 있다. 생명체들은 엉성하게 기워진 성벽으로 스스로 보호받고 있다고 믿으며 자신들만의 낙원을 만들어 간다. 성채의 바깥에는 이 파라다이스를 만들고 남은 재료들로 황량한 풍경이 펼쳐지고 있다.
이번 개인전에서 송명진은 분명히 변화를 시도하고 있다. 표면 아래로 숨어들어 있던 메시지들이 이제는 갖가지 소품들의 도움을 받아 전면에 드러나고 있다. 그 내러티브의 강화는 분명히 보다 쉽게 관객들과 소통하고 공감을 유도하는 장치로 작용한다. 또한 그 장치를 운용하는 작가의 조형적 능력으로 인해, 출품작들 모두 여전한 매력을 발산하고 있다. 그러나 한편으로 내러티브의 강화는 역시 다소 쉬운 해결책이라는 느낌을 지울 수 없다. 송명진의 회화가 가지는 은근한 역설의 힘이 상징체계에 막혀 일정부분 희석되는 것을 피하기가 어렵기 때문이다. 과연 그 희생을 감수하고서라도 내러티브를 선택할 가치가 있을까? 최근 참여하고 있는 뉴욕 레지던시의 경험이 그에게 어떤 새로운 계기를 줄 수 있을지 기대된다.
임대근(국립현대미술관 학예연구사)
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Song, Myung-Jin Solo Exhibition …… 2007. 7.4-14 Gallery Rho
Daegeun Lim (Curator in Museum of Contemporary Art)
What makes Song's green paintings particularly notable lies in her use of color, shape and brush techniques, which have been simplified to the extreme, thus yielding the visual aspects of being monotonous as well as comfortable. Unlike the first impressions, however, the paintings are replete with the aesthetically intriguing paradoxes hidden when the green curtain is drawn down. The subtle discomfort perceived in Song's paintings spreads along with the recognition of the ironic conflict created between the simple imagery and the complicated references.
Green, as a prevailing color, definitely refers to the Mother Nature along with other landscape motifs. At the first glance, these associations are indicative of pleasing and soothing natural environments to the viewers, who are readily jumping over to the world of illusions to satisfy their sweet expectations toward the nature. Nevertheless, Song 's green betrays a normal expectation that the Mother Nature would give the best comfort and brings a certain kind of doubt despite of knowing that the paintings inherently consist of lumps of pigment as many other landscape paintings do.
What has been depicted is adjacent to a certain object shaped like grasses drenched with green paints rather than any living substances. The green color is not coming from chlorophyll as a nutritional source for life but as sterile ones disguised as lively objects, rather serving as an implement to conceal the barrenness associated with the greenish metal fences installed among greeneries. The revelation of the uncomfortable truth behind the apparently innocent pleasurable landscape warns that the observer should be mentally armed to face the suffusing green paints in order to revel in a certain kind of nature.
The latest works exhibited feature its narrative structure which has been reinforced to a higher level, as one notable change marked, when compared to the 2005 show in Kumho Museum of Art where Song had attempted her roundabout approach toward the introduction of narrative elements through rather plainer forms. The end result is an intricate texture and a complicated canvas that present symbolic characters called 'finger humans', thus embodying human touches roughly expressed before as a few mere marks in the earlier works. Not only do these creatures imply the existence of an 'imitation' to a Creator but modern human beings, arrogant yet somehow pathetic, who place themselves into the role of being a Creator with their coarse pseudo-nature.
Green Shelter, as the starting point for this series, depicts a pair of creatures, one male and one female, standing in front of a type of artificial mountain structure made out of green carpets. The result appears like some hastily-finished patchwork. The scene appears as if they are welcoming the twilight of another dawn in the creation of their own miniature world. Although injecting dried up grass with a renewed vitality may be an impossible task, in A Builder and Taking a Rest, we bear witness to the feeble actions of a small creature who tries to make a compromise with God by covering a small area of turf with green, needlework-like threads. It can be a kind of reminder of our own pathetic self-portrait.
This exhibition includes work with complicated compositions and narratives, which is unusual for the artist. Riverside renders a view of the already over-populated number of finger humans who are seemingly trying to imitate and mimic patterns of human civilization. However, this attempt is far from being prefect, as seen in the only half-completed facade of a building and, in defense of the mountain behind, each blade of grass feels identically manufactured and somewhat unstable. In addition, a cell-like construction resembling the Penopticon of Foucault, a boat passing under a staircase that seems to be made out of paper, rows of wood columns, etc. all found on the canvas are full of a variety of symbolic icons which were unseen in the artist’s previous work. Making Paradise also depicts a crudely rendered fortress of cultivation where various creatures are protected within the roughly put together, castle-like structure. Outside the walls, left over materials are strewn about here and there in a somewhat sad and lonely scene.
In this exhibition, Song definitely makes an attempt to turn over a new chapter in her work. The messages left hidden under the surface come to the foreground with the help of a few intentional artistic elements. The continued reinforced narrative serves to compel the viewer to communicate with the work by easily drawing out their emotional support. In addition, the artist's perceptual ability allowing her to create these enchanting forms leads each work to exude its own intriguing charm. Nevertheless, this reinforcement of narrative sometimes feels more like of a sort of easy answer that may lack some other necessary considerations. This is because the force of understated irony characteristic of Song's painting feels a bit diluted due to the restriction of the symbolic elements in her work. Was it worth it to choose narrative at the cost of weakening the ironical force? Hopefully, she will learn something from her recent experience at a residency program in New York that can give her a new inspiration and ideas.
Exhibition review of the September, 2007 issue of the Art in Culture
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